HITCHCOCK (2012)

Alfred Hitchcock es el genio inglés conocido como el "mago del suspense". Un revolucionario en la manera de hacer y entender el cine, en la manera de contar las historias, de lograr de ellas una emoción capaz de cautivar al espectador. Y así lo hizo a lo largo de seis décadas. Sus inicios se remontan a los tiempos del mudo en su Londres natal, con su opera prima, "El jardín de la alegría" ("The pleasure garden", 1925), al que siguieron otras producciones que ya dejaban entrever al genio que sería capaz de sorprender con sus creaciones. Los albores del cine sonoro británico le permiten añadir un elemento más a sus historias: el sonido, comenzando a forjarse el genio con algunas películas que más tarde tendrían su "remake" hollywoodiense como "El hombre que sabía demasiado"("The man who know too much) (versión inglesa de 1934, versión estadounidense de 1956). Debuta en Hollywood con la intrigante "Rebeca" ("Rebecca") en 1940, a la que seguirán sus obras maestras a lo largo de los años 40-50: "Naúfragos"(1944), "Recuerda" (1945), "La soga" (1948), "Crimen perfecto" (1954), "La ventana indiscreta" (1954) o "El hombre que sabía demasiado" (1956). Películas intrigantes, de gran originalidad, rodadas con un estilo muy personal y con un elenco de actores y actrices a los que hará inmortales, tales como James Stewart o Cary Grant y a sus "chicas"  Grace Kelly, Kim Novak o Tippy Hedren. Con la década de los 60 llegan sus tres películas más estudiadas, "De entre los muertos" ("Vertigo", 1958), "Con la muerte en los talones" ("North by nortwest", 1959) y, como no, "Psicosis" ("Psyco", 1960). En su haber 53 películas, creadas para los mejores estudios de Hollywood y algunas excentricidades, como sus fugaces apariciones en sus films y su interesante teoria del "Macguffin" y la manera de crear una escena de suspense: "Dos señores se encuentran en la terraza de un café comiendo tarta de manzana. Si cae una bomba y los mata, el espectador sufrirá unos segundos con la sorpresa. Si hago saber al espectador que hay una bomba bajo la mesa y va a explotar en cinco minutos, lograremos cinco minutos de emoción". 

La película "Hitchcock" (2012) dirigida por Sacha Gervasi y basada en el libro "Alfred Hitchcock and  the making of psyco" de Stephen Rebello, es una de esas películas que conocemos como "cine sobre cine". Narra la historia de Hitch y de su esposa Alma durante la gestación y posterior producción de la película "Psicosis". Hitchcock leyó la novela, que narraba la historia de un psicópata, asesino en serie obsesionado con su madre, a la que desentierra tras su muerte y con la que convive. La crudeza descriptiva del libro cautiva al cineasta que decide adaptarla para el cine con la ayuda de su mujer, Alma Reville, su eterna colaboradora en la sombra. Ningún estudio quiere financiar el proyecto, así que es Hitchcok quién se decide a financiarlo como una producción de bajo coste, pues se rodó en muy pocas semanas y en blanco y negro, Además Hitchcock se atrevió a dar el papel protagonista a Janet Leigh, que se había popularizado con "Sed de mal" ("Touch of evil", 1958) junto a Orson Welles, y a la que mata antes de llegar al ecuador del film, en la archiconocida secuencia de la ducha.

Destacar en primer lugar la interpretación de Anthony Hopkins, espectacularmente caracterizado y al que acompaña una increíble interpretación física y vocal. Destacar a Helen Mirren, más que por su interpretación que mantiene el nivel al que nos tiene acostumbrados, por la reivindicación para la historia del cine de la esposa del genio y no solo por el apoyo moral, sino por su aportación profesional en la adaptación y corrección de los guiones, haciendo buena esa frase (machista por cierto) de que "tras un gran hombre siempre hay una gran mujer". En todo caso ahí queda su aportación, siempre escondida tras la sombra de su marido. Finalmente destacar el gran parecido físico de Scarlett Johanson como Janet Leigh y la fabulosa interpretación de James D'Arcy como Anthony Perkins.

La banda sonora, obra del gran Danny Elfman, contiene retazos del propio film "Psicosis" (de Bernard Herrman) incluida la estridente y turbadora que acompaña el asesinato de la ducha, así como la sintonía de la serie televisiva "Alfred Hitchcock presenta" (1955-1962), muy popular en aquellos años y que presentaba el propio Hitch.

La película es entretenida, en ocasiones divertida y nos descubre a un Hitchcock excentrico y a una esposa que aporta la sensatez a la pareja. También desvela secretos y curiosidades del rodaje de una de las obras maestras del genio del suspense y de la historia del cine. Muy recomendable para los fans de Hitchcock.

CALIFICACIÓN: FFFF

TED (2012)

Muchas expectativas tenía puestas en esta comedia estadounidense. Expectativas que teniam mucho que ver con su director y guionista Seth McFarlane, autor de exitosas comedias de animación televisivas como "American Dad", "El show de Cleveland" o la premiada "Padre de familia". Un humor corrosivo, en ocasiones cruel e irreverente que le sirve para romper la idea del "sueño americano" y su modo de vida. Con esta idea me acerqué al cine, pensando que esta producción iría más allá de las tipicas comedias estadounidenses de humor zafio y facilón, pero me equivoqué. La película narra la historia de John Bennett (Mark Wahlberg), cuya infancia se vio marcada cuando, siendo un niño solitario, sus padres le regalaron el peluche de un osito de nombre Ted. Una noche John pide un deseo: que Ted cobre vida. Y su deseo se hace realidad. Han pasado 27 años, en que ambos han vivido juntos infinidad de acontecimientos. John tiene una dependencia de su osito, lo que le hace ser inseguro y conformista y Ted se ha convertido en un irreverente juerguista, guasón y mal hablado. Un dia John conoce a Lori (Mila Kunis) y se enamoran, pero Ted, sus juergas y la constante influencia que tiene sobre John, obligan a Lori a dar un ultimatum a John: o Ted o ella.

La película en si es absurda y contiene secuencias de bastante mal gusto. Se ceba en exceso con las situaciones de "pedo, culo, caca, pis", pero ni aún así logra ser graciosa. Ni siquiera el doblaje español de Ted, interpretado por Santi Millan con un impresionante muestrario de tacos, cochinadas e irreverencias adaptadas a nuestro país, incluido el inmortal "yo por mi hija mató", logran que la película remonte. En la versión original es el propio McFarlane quien pone voz a Ted. Los personajes fuman hierba, esnifan cocaina, insultan, etc. Ted además se liga y se acuesta con una "choni", se cita con varias prostitutas, insulta a su jefe y llama gordo a un niño en diversas ocasiones. Niño, al que por cierto, acabará golpeando de un puñetazo el protagonista. Sinceramente por más que lo pienso, no encuentro nada positivo en la película, puesto que ni aun sienndo cruel e irreverente logra ser gracioso. Otras perlitas del film las encontramos en el alegato final contra la última versión de "Superman", a la que ponen (con razón) de vuelta y media y algunos chistes de mal gusto sobre el 11S y sobre el testiculo de Armstrong. En fin, me gustaría poder decir que "Ted" es una película divertida, que no pasará a la historia del cine, pero con la que al menos vives una sesión de necesaria risoterápia. Pero no es así, es una pelicula muy floja, con un par de frases divertidas (que puedes ver gratis en el trailer) y el resto que más vale olvidar. O casi mejor olvidemosla al completo.

CALIFICACIÓN: FF

INTOCABLE (2011)

Llegaba a España con la aureola de haberse convertido en la pelicula francesa más taquillera en el país vecino. Un film que han visto más de18 millones de franceses y que ha logrado el record de mantenerse en el número uno de las taquillas galas durante 10 semanas consecutivas. "Intocable" es una comedia de esas que te hacen estar con una sonrisa constante, que en ocasiones se transforma en carcajada pero es capaz de mantener un fino hilo de drama que está perfectamente integrado en la propia comedia. Peliculas europeas como "Full monty" o las crónicas de León de Aranoa, que retratan una sociedad urbana marginal, son claro ejemplo de ello. Son comedias que encuerran un importante trasfondo dramatico. Esta película une a dos personas de dos mundos diferentes. Por una parte Philippe (François Cluzet), tetraplégico adinerado que reside en su mansión de Paris y que busca un asistente para su vida cotidiana. Por otra parte Driss (Omar Sy), negro, de barrio marginal que acabará convirtiéndose en el asistente de Philippe. Desde ese momento el film a lo "Paseando a Miss Daisy", nos hara circular por diferentes estadios. Una comedia simpatica, delirante que desmitifica y normaliza la discapacidad de Philippe. Yo definiria el humor del film en uno de los chistes que aparecen en la película: "¿Donde se encuentra el tetraplégico?...Donde lo has dejado". He ahí la linea de humor (si, humor francés) que marca la película. Una comedia que traspira drama por los cuatro costados: la vida cotidiana del tetraplégico, lograr el amor, el sexo,...y por otra la vida de fracaso y marginalidad de Driss, procedente de una familia numerosa, sin padre, con su hermanastro adolescente metido en problemas,... Y aun así la película es capaz de destilar comedia y positivismo. La amistad de ambos personajes de mundos y circunstancias diferentes emociona al espectador y le transmite una complicidad que se prolonga a lo largo de toda la cinta. Magistral interpretación de la pareja protagonista sustentada sobre un solido guión basado en una historia de real, cuyos protagonistas aparecen al final como un guiño al espectador. La dirección corresponde a Eric Toledano y a Olivier Nakache que firman también el guión. Preciosa fotografia de Mathieu Vadepied y una música excepcional de Ludovico Eunadi a base de piano que refuerza los momentos dramáticos del film dando un toque intimista al mismo. Secuencias destacadas, muchas. Yo me quedaria con el mezcladillo de piezas de música clásica de Wagner, Bach o Vivaldi que una orquesta de cámara interpreta para un díscolo Driss.  O la espectacular secuencia de los parapentes. Realmente es una película que hay que ver y disfrutar más allá de la capa externa de comedia, sino rascando un poco en su interior y llegando al fondo del mismo. Algún critico ha dicho que se trata de una obra maestra de la comedia, estoy totalmente de acuerdo. Como rezaba el intertitulo inicial de "The kid" de Charles Chaplin (pionero en eso de combinar comedia y drama): "Una película con una sonrisa y tal vez una lágrima". Bonita mezcla.

CALIFICACIÓN: FFFF

THE ARTIST (2011)

Una pelicula muda ha irrumpido estrepitosamente en Hollywood y lo ha hecho de forma tal que, además de acaparar una impresionante popularidad ha logrado alzarse con el Oscar a la mejor película, así como cuatro Oscars más, tres globos de oro, siete premios BAFTA y seis Cesar. Espectacular palmarés. En otras ocasiones films rodados en blanco y negro, como "La lista de Schindler" (1992), ya habían logrado esta proeza, pero una película en blanco y negro y muda es la primera vez desde que en 1929 se iniciara la historia de estos galardones y venciera una "muda autentica", sometida a los caprichos tecnologicos de la época. "Wings" de William Wellman, fue la primera mejor película de la historia de los Oscar. Otros intentaron originalidades de ese estilo y así en 1976, Mel Brooks estrena "Silent movie" ("La última locura de Mel Brooks"), película plagada de estrellas y sin palabras...bueno no es del todo cierto puesto que la única voz que se escucha es la del mimo francés Marcel Marceau (el mundo al revés de Brooks).

En fin, volviendo a "The artist", no he de negarles que fuí a verla con un cierto escepticismo. El hecho de ser una producción francesa me daba una cierta tranquilidad. Dirigida por Michel Hazanavicius, la película tiene un argumento bastante simplón que ya se trató, en mayor o menor medida,  en otros films como "Cantanto bajo la lluvia" (1952) o "El Crepúsculo de los dioses"(1950): el traumático paso del mudo al sonoro que significó el final de la carrera de muchos actores y actrices, sobre todo aquellos de la "vieja escuela" acostumbrados a una manera muy determinada de hacer cine. El público pedía peliculas sonoras y ellos se empeñaron en seguir con las mudas. Pocos pasaron el corte y muchos quedaron en el camino, arruinados y olvidados. George Valentine (Jean Dujardin) es un actor en la cima de su carrera (al estilo Douglas Fairbanks) gravemente amenazado por la irrupción del cine sonoro, al que se niega a sucumbir. Al Zimer el productor del estudio (John Goodman) decide prescindir de él en favor de artistas emergentes como Peppy Miller (Bérénice Bejo) a quien encumbra a la fama en poco tiempo. Hundido, arruinado y anónimo, Valentine, quien un dia fuera ídolo de masas, decide poner fin a su vida, pero es rescatado en el ultimo momento por Peppy, que en su momento fue su mayor fan. Decidida a ayudarle, busca para él un nuevo camino artistico en el mundo del cine: el musical. Es la conversión de Douglas Fairbanks en Fred Astaire.

Ese es el argumento y aunque me refiera a él como simplón, que lo es, no significa que de ello no se desprenda una gran película. Ya desde su inicio, te atrapa una banda sonora espectacular, magistralmente compuesta por Ludovic Bource que te va introduciendo en el Hollywood de finales de los años veinte. Por cierto una maravillosa ambientación en todos sus aspectos sobre todo en la forma en que se hacia cine en la época: cámaras, focos, decorados, etc todo parece estar meticulosamente estudiado. Respecto a la fotografia en blanco y negro, obra de Guillaume Schiffman, decir unicamente una palabra: espectacular. Planos cortos, efectos. Recuerdo uno en el que Valentine vierte su whiski sobre una mesa de cristal en la que se refleja su rostro desencajado. Además, la película recoge numerosas imagenes que perfectamente podriamos ver en peliculas de la época. Una imagen de Peppy Miller cuando la estan acicalando, peinando, manicura, maquillaje,...que bien podria recordarnos a una similar con la mismisima Greta Garbo. Así como el montaje final, cuando se intercalan planos de la pistola de él a punto del suicidio y ella con su automovil en una loca carrera por las calles de Hollywood, que casi podria ser la secuencia final de "Intolerancia" del maestro Griffith.

Respecto a la interpretación, destacar la de Jean Dujardin exquisito en todos sus aspectos y que es capaz de crear momentos de elegancia y comedia a lo Max Linder e interpretar acción a lo Douglas fairbanks. Ella, con un personaje bien interpretado y concebido, dista mucho de la apariencia fisica de las actrices de aquella época, será el maquillaje, será la gestualidad,... El resto de reparto lo completan John Goodman como el productor de los estudios, John Cromwell o Penelope Ann Miller. Pero si hay otra interpretación a destacar seria la del perro Uggie, que resulta el perfecto complemento de Dujardin. Los efectos sonoros y la integración de estos en la película también merecen comentario. En cuanto Valentine es consciente de la sonoridad de las cosas, estas empiezan a sonar. Así como la última secuencia del film sonoro musical que ruedan los protagonistas en la pelicula y que ha sido rodado con sonido. Una maravillosa pelicula que merece la pena ver y disfrutar.
CALIFICACIÓN: FFFF

LAS AVENTURAS DE TINTIN - EL SECRETO DEL UNICORNIO (2011)

Steven Spielberg (director y productor) y Peter Jackson (productor) nos ofrecen una película de animación sobre el personaje creado por Hergé, Tintín y todo su universo. Tomando como base los álbumes "El secreto de Unicornio" y "El tesoro de Rackham el Rojo", los guionistas del film crean una historia que introduce algunos elementos de otras de sus aventuras, como el secuestro de Tintin, la aparicion del buque Karabutjan, el primer encuentro con el Capitán Haddock y el recorrido por el desierto de "El cangrejo de las pinzas de oro", primer álbum en el que aparece el Capitán. En resumen, interpreto que ha querido hacerse un homenaje al universo Tintín, con algunos guiños que aprecen durante la película y que solamente los tintinólogos podrán reconocer. Yo he encontrado varios, como los recortes de prensa que poblan las paredes de la casa de Tintín en donde aparecen en titulares algunas de las aventuras del joven periodista como "El Cetro de Otokar" o "Los cigarros del faraón". También en el asesianto del inspector de la interpol a las puertas de la casa de Tintín, en que antes de morir señala en un periódico las letras que formaran el nombre de "Karabudjan". Bien, pues el periódico es "Le petit Vingtième", publicación en la que comenzaron a aparecer los primeros cómics de Tintín, por entregas. Un simpatico homenaje que viene a reforzar la profesión de periodista de este intrépido aventurero que, en los álbumes quedaba bastante diluida. Finalmente, otro de los detalles que incluye la película lo encontramos en la escena final, que obviamente no desvelaré, y en la que en pleno puerto se destroza una enorme caja de madera que contiene latas de cangrejo de la aventura "El cangrejo de las pinzas de oro", que como hemos dicho, en la que basa algunas de sus secuencias la película. Respecto a los personajes que aparecen, nombrar al trio protagonista Tintín, Milú y el capitan Haddock, los malos formados por un supuesto descendiente de Rackham el Rojo (que creo que se ha creado para la película) y el contramaestre Allan, que aparece en algunos álbumes. Los curiosos policias Hernández y Fernández y la aparición (casi a modo de cameo) de "El Ruiseñor Milanés" la soprano Bianca Castafiore que surge, imagino que ademas de darle un poco de sentido a la adaptación cinematográfica de la película, también como un homenaje al mundo Hergé. También podemos ver a la señora Mirlo, la portera de la vivienda de Tintín. 

Respecto a la película en si, la verdad es que me ha dejado bastante indiferente. La animación es magnifica, la adaptación está bien y las situaciones que crea y desarrolla la película, sobretodo las de acción, con reacciones en cadena, gozan del sentido del humor más spielbergiano. Destaco en ello la secuencia de la huida del "Karabudjan", el aterrizaje de la avioneta en el desierto o la carrera del sidecar el busca de los pergaminos (creo que lo mejor del film).

En resumen, una pelicula entretenida, con misterio, comedia y aventura, cosa que contribuye la edición en 3D. Un homenaje a Tintín y al mundo que creara Hergé en 1930 , pero nada más que eso. Bueno, decir que es la mejor versión que se ha hecho jamás en cine de este héroe del cómic (las anteriores mejor no hablar de ellas. Una, de hecho, fue rodada en España). No os recomiendo que vayáis con niños pequeños pués aunque sea animación, hay secuencias de pensar y atar cabos, y se aburren (vamos, que no es Disney).
Por cierto, una curiosidad, el personaje de Tintin esta inspirado y doblado por Jamie Bell (Billy Elliott) y el Capitan Haddock por Andy Serkis (Gollum).  Decir finalmente que esta pretende ser la primera de una trilogía dedicada a Tintín. El segundo film lo dirigirá Peter Jackson, desconociéndose quien será el director de la tercera. 

CALIFICACIÓN: FFF

SUPER 8 (2011)

El guionista de "A proposito de Henry" ("Regarding Henry", 1991), "Eternamente joven" ("Forever young", 1992), "Armageddon" (1998) o "Mision Imposible 3" (2006) y director de exitosas series de televisión como "Alias" (2001-2005) o "Perdidos" ("Lost", 2004), escribe, dirige y produce esta producción que cuenta con la participación del Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg. Nos referimos, como no, a Jeffrey Jacob Abrams, JJ Abrams para los amigos. Ambientada en los años 80, "Super 8" narra las aventuras de un grupo de adolescentes en su intento por rodar una película en super 8 que quieren presentar a un certamen  de cine (segun dicen algo biografico de Spielberg o Lucas). Eligen la temática zombie, muy de moda en aquellos años, y con mucha ilusión, pocos medios y cámara en ristre, van elaborando su film, al margen de los adultos que no entienden esta obsesión e incluso la censuran. De nuevo vemos dos mundos paralelos: por un lado el universo infantil-adolescente, incomprendido, idealista, que se mueve con el corazón en contraposición con el mundo adulto, realista y racional. Un claro ejemplo de esta dualidad lo encontramos en "ET" (1982), en donde existe la clara contraposición de dos mundos: el infantil, que actua movido por sentimientos de ayuda y protección al extraterrestre y el adulto que trata de racionalizar, proteger a los niños e investigar con el alien. Además, igual que sucediera en "ET", el niño protagonista tiene un drama personal propio. Si en "ET" es la soledad, el divorcio de los padres, en "Super 8" es el recuerdo por la muerte de la madre y la falta de comunicación con el padre, policia del pueblo de Ohio donde sucede la acción. Volviendo al argumento, la historia se complicará cuando este grupo de niños, en donde no falta el lider, el pirómano, el miedoso y la chica, son testigos accidentales del descarrilamiento de un tren del ejercito, que originará una serie de extraños fenomenos en el pueblo: desapariciones de gente, huida de los perros, problemas en la red electrica,... Sin atreverme a desvelar más de la historia, he de hacer una serie de consideraciones. El film logra, como en las mejores producciones de Spielberg (y en eso este director era un maestro), una perfecta conjunción erntre comedia-accion-drama, es decir, es capaz de hacernos reir tras un momento de tensión intenso. Ello quedaba bien patente, por ejemplo, en peliculas como "Jurassic Parc" (1992), en la saga "Indiana Jones" o en "Los Goonies" y el director Abrams lo capta de manera excepcional y lo antepone ante cualquier otro tecnicismo argumental. Respecto a la interpretación, me pareció fantástica. También creo que el trabajar con actores más o menos desconocidos ayuda a dar credibilidad y naturalidad a situaciones bastante extremas. Los efectos especiales, como por ejemplo el descarrilamiento del tren me parecen excesivos, pero bueno, es Hollywood, que le vamos a hacer. Me gustó mucho la manera de crear tensión en el espectador, desconociendo realmente cual es el mal que acecha, usando sombras, ruidos, etc, a la vieja usanza, como en las peliculas de terror de mediados del siglo XX. Para mi gusto se abusa un poco de los momentos silencio-ruido que intentan asustar al espectador, que desgraciadamente se ven venir muy claramente. En si, la pelicula es entretenida y esta muy bien construida...hasta el final. Los últimos minutos son tan absurdos, irreales, exagerados e inverosímiles que dan al traste con la linea argumental del resto de la pelicula. Un final estilo "ET" con un bicho repulsivo que parece "Alien, el octavo pasajero", que resulta que tiene buenos sentimientos y que lo único que quiere es escapar del control humano y marcharse a su planeta. Y eso se lo transmite a los niños que se sienten identificados con él, treinta segundos despues de verlo comerse una pierna humana. Seguidamente comienza a atraer todos los objetos metalicos del pueblo, cual super-imán, y en pocos segundos aparece como por arte de magia una nave espacial con la que abandona el planeta. Alucinante. Que pena de absurdo final (¿que pasa con los finales de Abrams? Recordemos "Perdidos").

La pelicula tiene momentos risa, momentos acción, momentos suspense, momentos terror, momentos amor y momentos lagrimilla.  Muy buenos los creditos finales, cuando podemos ver editada la película realizada por los chavales y a cuyo rodaje hemos asistido durante todo el film. Cine en el cine.
Os la recomiento para pasar un par de horas entretenidas, pero no busquemos nada más allá de eso.
CALIFICACIÓN: FFF

PÁJAROS DE PAPEL (2010)

"Pájaros de papel" es un delicioso drama ambientado en la posguerra española que narra las vicisitudes de un grupo de cómicos de vodevil que intentan sobrevivir entre la miseria y el hambre de la época. Jorge del Pino (Imanol Árias), cómico, pierde a su mujer y a su hijo durante uno de los bombardeos de Madrid. Un año despues se reencuentra con Enrique (Lluís Homar), otro de los cómicos y con Miguel (Roger Príncep), un niño de nueve años que ha perdido a sus padres, tambien actores, y que desea inicirse en el mundo del espectáculo. "Pájaros de papel" es la primera película de Emilio Aragón y ello se destila en cada fotograma, pues la pelicula esta repleta de numeros cómicos clásicos, clasicas referencias a los origenes del propio director y la saga de cómicos Aragón, que nos hacen esbozar una sonrisa entre las penúrias y desgracias de los distintos protagonistas del film. A lo largo de las más de dos horas de película el espectador viaja en una montaña rusa de sentimientos: puede reir o llorar o ambas cosas a la vez en cuestión de segundos. Magnifica la interpretación de los tres protagonistas, tanto Lluís Homar, en un papel que nos muestra una sensibilidad a la que no nos tiene acostumbrados o Imanol Árias, que sale de la piel del televisivo Alcántara para ofrecernos una sublime interpretación en la que rie, canta, baila, se enfada y llora. Del trabajo de Arias me gustaria destacar una secuencia en la que el actor tiene un monólogo de varios minutos rodado en un solo plano, mientras va conduciendo y en la que podemos observar la rabia, la impotencia y la emocion en su rostro y en sus palabras. Sublime!. Impagable la escena final, cuando es detenido y esposado, cuya imagen me ha retrotraido a los años pretéritos del actor convertido en el "Lute", pero es una demencia personal. En la pelicula hacemos un descubrimiento, el de Roger Príncep, un niño de nueve años que nos sorprende por su desparpajo y su buen hacer ante las cámaras. Esto me huele a Goya al actor revelación. A ellos les acompañan un plantel de actores impresionantes como Carmen Machi, Diego Martin, Oriol Vila o Luís Varela. Magnifico guión surgido, según sus propios autores, de las anécdotas contadas por los cómicos de la época. Me ha gustado mucho lo bien trabajados que estan los personajes que en ningún momento pierden su personalidad. En cuanto a las cuestiones más tecnicas, destacar la cuidada banda sonora del propio Emilio Aragón que nos introduce magnificamente tanto en la época como en el ambiente más vodevilesco, incluyendo en la banda sonora algunas canciones interpretadas por los propios actores y que retratan a la perfección los constantes pulsos que ofrecian estas compañias a la férrea censura de posguerra. Magnifica la ambientación, así como la fotografía, tanto de las calles de Madrid, como del campo. Y no quiero terminar sin comentar la secuencia final en donde vemos a un Miliki, el payaso de nuestra infancia, ya mayor, que durante tantos años nos ha hecho reir, en una escena de un delicado dramatismo. Han pasado los años y aquel niño que queria ser cómico, regresa del exilio para recoger un premio. Un excepcional homenaje tanto al querido payaso como a todos los cómicos que vivieron y sufrieron aquellos años. En resumen una preciosa joya de nuestro cine que he tenido la suerte de admirar en el Día Internacional del teatro y que me gustaria recomendaros.

CALIFICACIÓN: FFFF